UNIDOS POR LA DANZA (2008 2009) PAZ BOLIVIA

La danza folklorica

La danza folklórica es un término utilizado para describir a un gran número de danzantes, en su mayoría de origen europeo, que tienden a compartir los atributos similares:
Originalmente bailado aproximadamente en el siglo XIX o antes (en cualquier caso, no están protegidos por derechos de autor);
Su práctica se realiza por una tradición heredada, más que por la innovación;
Bailado por la gente común y no exclusivamente por la aristocracia;
Se realiza espontáneamente y no existe un órgano rector que tiene la última palabra sobre lo que es "la danza" o la autorización para enseñarlo. Esto también significa que nadie tiene la última palabra sobre la definición de bailes folclóricos o la edad mínima para tales danzas.
Las danzas folklóricas tradicionalmente se realizan durante los acontecimientos sociales entre las personas. Los nuevos bailarines a menudo aprenden esta danza informalmente mediante la observación de otras personas y/o la ayuda de otros. La danza folklórica es vista más como una actividad social en lugar de competencia, aunque hay grupos profesionales y semi-profesionales de danza folclórica, que en ocasiones realizan competiciones de bailes folklóricos. Morris baile de los motivos de la Catedral de Wells, Wells, Inglaterra.

El término "danza folclórica" a veces se aplica a determinadas danzas de importancia histórica en la cultura y la historia europea; normalmente se originó antes de siglo XXI. Para otras culturas los términos "la danza étnica" y/o "danza tradicional" a veces se usan, aunque este último puede abarcar también al de "danzas ceremoniales".
Hay una serie de bailes modernos, como el hip-hop, que evolucionan espontáneamente, pero el término "danza folklórica", por lo general, no es aplicado a ellos, ocupando su lugar los términos "danza de calle" o "danza vernacular". El término "danza folklórica" está reservada para las danzas que son en gran medida de tradición europea y se originó en los tiempos para la distinción entre los bailes de "gente corriente" y los bailes de la "alta sociedad".
Gran parte de los bailes modernos se originó a partir de bailes folklóricos.
Los términos "étnicos" y "tradicionales" se utilizan cuando es necesario hacer hincapié en las raíces culturales de la danza. En este sentido, casi todas las danzas son de origen étnico. Si algunas danzas, como la polca, cruzan fronteras étnicas e incluso cruzan la frontera entre el "folk" y "baile de salón", las diferencias étnicas son a menudo bastante considerables a mencionar, por ejemplo, la polca checa vs polca alemana.
No todos los grupos étnicos son bailes de la danza folklórica, por ejemplo, el orgien de las danzas rituales no se consideran como bailes folclóricos. Las danzas rituales son generalmente denominados "bailes religiosos", a causa de su propósito.

Tipos de danza

Son varios tipos de danza folklórica, incluidos el baile del país Inglés, danza folklórica internacional, danza irlandesa, danza Maypole, la danza Morris, baile Nordic Polca, Baile de bastones, baile de plaza y danza con espada. Algunos bailes coreografiados como la contradanza, danzas folklóricas israelíes, la danza del país escoces, y baile moderno occidental, se llaman danzas folklóricas, aunque esto no es cierto en el sentido más estricto. La mayoría de los bailes y danzas de baile se originaron a partir de danzas folklóricas, con el perfeccionamiento gradual en los últimos años.
Las personas familiarizadas con la danza folklórica a menudo pueden determinar de qué país es una danza, incluso si no han visto ese baile antes. Algunos países tienen características exclusivas de de danza, aunque los países vecinos a veces tienen características similares. Por ejemplo, la danza schuhplattling alemán y austriaco se compone de bofetadas en el cuerpo y los zapatos en un patrón fijo, una característica que pocos países tienen. Las danzas evolucionaron a veces mucho antes de las fronteras políticas actuales, por lo que algunos bailes son compartidos por varios países. Por ejemplo, los serbios, búlgaros y croatas comparten el mismo o similar baile, e incluso a veces utilizan el mismo nombre y la música.
Aunque la danza folklórica históricamente fue realizada por la gente común de la cultura local, bailes folklóricos internacionales ha recibido alguna popularidad en universidades y centros comunitarios en los Estados Unidos y otros países.
Por ejemplo la danza folklórica mexicana ha desarrollado a lo largo de cinco siglos, en la era precolombina, una influencia de danzas de origen español o francés, gracias a los acontecimientos ocurridos en esa época. La fusión de estas influencias con la cultura indígena ha creado más de 300 estilos de baile dentro de los treinta y dos estados mexicanos.

Naturaleza del bailarin

" La antropología teatral es el estudio del comportamiento biológico y cultural
del hombre en una situación de representación, en el caso del actor o del
bailarín se aunan lo físico y lo mental como principios distintos a los de la vida
cotidiana", afirma el antropólogo Barba. La utilización particular extra-cotidiana
del cuerpo humano en el teatro se denomina técnica.
... "La técnica no es una rutina de la expresión dancística sino que más
bien su resultado. Latécnica no es sólo el conjunto de formas y normas
necesarias para aprender. Es, también, el desarrollo de las formas- en las
que el contenido se expresa. Esto no significa que cada individuo va a
sugerir una técnica particular y diferente del resto. Estamos todos ligados
a una naturaleza que impone sus leyes: gravedad, equilibrio, espacio,
tiempo,contextura física, etc,..."
(Boletín Informativo del CID-Danza 5, México, 1985,p. 19).
La tensión orgánica pre-expresiva de los factores fisiológicos del peso, el
equilibrio, la postura, el desplazamiento del cuerpo, la oposición entre la
gravedad, la columna vertebral y la dirección de los ojos, permiten un cambio
de cualidades de nuestra energía en una situación de representación
dancística y teatral. La danza genera coreografía -sistema de signos y símbolos
creados para registrar los movimientos dancísticos-, cuya dialéctica crea una
expresión técnico-artística particular cargada de un sentido socio-cultural.
"La danza, como obra de arte, se presenta homogénea, armónica y
resistente al análisis. Para el caso de su comprensión, pensaremos en la
unidad coreográfica como una síntesis de forma y significación. La
coreografía viene del latín chórus -danza en coro de la tragedia y del
griego grápho-dibujo, descripción. Como unidad artística es compleja,
variada y altamente especializada. El teatro gira alrededor del autor; la
danza se centra en el coreógrafo. Asume la peculiaridad de forma y fondo
artísticos, al distinguirse como diseño y mensaje. Sus manifestaciones
pueden ser genuinas y originales. Como toda obra de arte es una
objetivación del reflejo estético de la realidad en el proceso creador.."
(Sorley Waiker, Katrina. La Danza y sus creadores. Coreógrafos en Acción,
Buenos Aires, Víctor Lerú, 1979, p31).
El enfoque antropológico del bailarín pretende irrumpir en un territorio empírico
para acercarse al fenómeno del actor en el escenario del baile.
ACTITUD CORPORAL Y REPRESENTACION
Las actitudes corporales se diferencian substancialmente en la vida cotidiana y
en las situaciones de representación. Tenemos un uso técnico del cuerpo por
nuestra condición social u oficio. Artísticamente, optamos por una técnica
extracotidiana, que no se acomoda a los condicionamientos habituales del uso
del cuerpo. Las técnicas cotidianas no son elaboradas a priori. Nos movemos,
nos sentamos, llevamos un peso, besamos con la boca o con la nariz -por
ejemplo los esquimales-, afirmamos y negamos con gestos que creemos
naturales aunque, estén determinados culturalmente. Las técnicas cotidianas
del cuerpo se caracterizan, en general, por el principio del menor esfuerzo, es
decir, conseguir un rendimiento máximo con un gasto mínimo de energías. Las
técnicas extra-cotidianas no se caracterizan, precisamente, por el uso excesivo
de la energía. En cambio, se distinguen por su vitalidad y virtuosismo. Los
bailarines y los actores tienden a la transformación del cuerpo a través de una
alteración del equilibrio, que niega la actitud cotidiana del bailarín o actor.
El cubano Barba en su obra "La Antropología del Bailarín" anota:
"La alteración del equilibrio supone que un bailarín se habitúe a controlar
la presencia física y a traducir en impulsos físicos las imágenes
mentales".

Historia del ballet en Ecuador

El desarrollo del ballet en el Ecuador se vio limitado por las características sociales e ideológicas de la aristocracia, clase en la que se apoyó. Otro de los factores limitantes fue el cambio continuo de gobiernos liberales y conservadores. Desde fines de la década del veinte hasta 1950 existió un caos administrativo, y una depresión moral por la pérdida de territorios ante el Perú a cambio de la desocupación militar de su ejército en nuestro país, que limitó la posibilidad de fomentar politicas culturales a nivel estatal para sentar bases del desarrollo profesional-artístico. La ideología de la aristocracia, cuyo dominio viene desde la colonia, estaba aliada con el clericalismo y el militarismo, su pensamiento era eminentemente conservador y cargado de prejuicios sociales y morales, que impidieron la integración de la mujer en el ballet a nivel profesional. Su participación se dio en los aspectos educativo complementario y recreativo, mientras que al hombre le vedaron, completamente, participar en este arte.
Desde su origen el ballet europeo se enriqueció con la danza popular y la tradición aristocrática. En el Ecuador se apoyó en la aristocracia criolla,
conocedora ocasional del ballet cuando viajaba a Europa. Su gusto se inclinaba
por espectáculos teatrales de dudosa calidad como operetas, zarzuelas y comedias que venían continuamente al país. Además, ignoró por completo la naturaleza de las danzas populares, practicadas por los indios y mestizos. Sin embargo, la aristocracia trajo desde Francia ciertos bailes de las cortes, minuet, valses vieneses, polcas cracovianas y alemanas, gavotas, mazurcas, tarantelas, country dance, baile de cuadrillas y lanceros, que los practicaban en los salones más aristocráticos del medio. Las clases subalternas tomaron algunas de estas danzas, mezclándolas con sus bailes y creando danzas simbióticas criollas, muy populares. Aunque es de lamentar que las danzas de carácter y otras de tipo étnico no fueron tomadas en cuenta para el desarrollo del ballet en el país como sucedió en Europa.
A pesar que desde 1830 somos una república independiente y soberana, a comienzos de la década del 20 del presente siglo continuaba la aristocracia siendo la clase de mayor acceso a la educación, la burguesía surgía como una nueva clase de gran empuje. Los intelectuales y la clase profesional media trataban de desligarse de la influencia del clericalismo y el militarismo. Con el aparecimiento del laicismo, a fines del siglo anterior, algunos sectores de las clases populares accedieron a la educación, superando escasamente el alto porcentaje de analfabetismo, productor de un desequilibrio en los aspectos culturales- económicos y limitante del
desarrollo de proyectos de unificación nacional; lo que mantuvo a la gran masa
popular al margen de actividades que educaran el gusto por actividades
artísticas como la pintura, la música, el ballet, la literatura etc. En tanto el ballet europeo se sostuvo alrededor de 500 años, enriquecido con la disolución del
arte cortesano, rococó romántico, la Ilustración y las distintas revoluciones del
arte producidas hasta el siglo XX.

Los diez mandamientos de la danza

El lenguaje del alma es la música. El lenguaje del cuerpo es la danza. Alma y cuerpo, danza y música unidos. Plasman un instrumento para que el hombre se exprese; por eso, a traves del hombre hablara el espíiritu. La danza, unida a la musica es el lenguaje universal del hombre.
1. El arte de la danza consiste en convertir a la música en imágenes visibles. Para ello, es necesario usar la sensibilidad, unida a un gran esfuerzo físico, mental y emocional. Si alguno de estos principios falta, habrá destreza técnica, pero no danza.2. En clase se debe trabajar buscando la perfección técnica, teniendo en cuenta que el arte de la danza demanda una síntesis de espíritu y mecánica.3. Cuando la clase se empieza usando el plié, se debe trabajar desde los pies, estirando las rodillas, abriendo lo maximo que se pueda en la pelvis, pero sin sacrificar la posicion correcta.4. Para desarrollar la energía y la agilidad, se debe mantener la espalda recta, estirar el cuerpo, respirar despacio y profundo.5. Cuando un ejercicio es difícil, es necesario tener calma y mantener en la mente las combinaciones o variaciones, respetando las frases musicales.6. Las pausas deben usarse para descansar, pero no hay que economizar energía si no es necesario . Cuanto más cansado se está, es importante mantener la posición correcta.7. La energía debe utilizarse con gracia, permitiendo que los brazos sean generosos. La entrega lleva a descubrir la perfeccion del movimiento. No debe olvidarse que en los brazos está la poesía de la danza.8. Ame todo lo que haga. Dé importancia al más pequeño movimiento, y así logrará el todo. No olvide que la limpieza en la técnica es más importante que un excesivo virtuosismo.9. Para cada ejercicio es necesaria la disciplina. Teniendo disciplina, el bailarín tendrá control, y si tiene control podra comandar su cuerpo y de esa manera se liberará de la técnica.10. El trabajo da la técnica. La técnica da la perfección. La perfección hace al artista. El artista ve a Dios. Cuando baile sea libre, porque la libertad es vida.